米开朗基罗广场(园林景观设计如何体现随性自然)
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2023-11-27
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1. 米开朗基罗广场,园林景观设计如何体现随性自然?
您好!
我是一名园林景观设计师,目前担任JRVS吉尔维森创意总监,很高兴看到您的问题,我愿结合自身经验,与您分享我的看法。
我认为,园林景观设计当中随性自然的体现,其实就是建立一种人与自然和谐共处关系的体现。
而唯一的方法就是师法自然。自然界的万事万物的出现,都不是任意自发的,而是有规律的、有秩序的。设计师需要不断的从中领会,从而才能做出更好的设计。下面,我以景观六要素的设计运用,来阐述如何体现随性自然:
一、通过_景观微地形_来体现随性自然
景观微地形是通过堆土置坡,将原本平整的空间场地,塑造出丰富的竖向高差变化,从而使空间场地更加富有吸引力。景观微地形在实际的设计工作过程中,需不需要来做,要看具体空间场地的现状景观资源条件。假如说,现状资源优势比较突出,地形本身也富有变化,那就可以不做景观微地形,这个判断抉择,就是与环境状况所做出的随性自然,或者说和谐关系,反之亦然。
二、通过_景观绿化配置_来体现随性自然
景观绿化配置是通过景观植物的搭配种植,将原本植被荒芜或凌乱不堪的空间场地,塑造出生态价值高、观赏性能好、易于休闲纳荫的绿色空间样貌。景观绿化配置在实际的设计工作过程中,要认真研究不同植物的生长习性,考虑到我国南北方的植物育种和选型差异,并且要根据项目当地人们对植物的喜爱偏好,来具体配置。假如说,强行将南方形态美观的植物运往北方种植,则破坏了自然育种的规律,导致植物的死亡不说,还浪费许多工程成本。因此,掌握植物的生长习性、配置原理、种植方式,就是与自然环境,与人的需求所做出的随性自然,或者说和谐关系,反之,不这么去做,就要付出更多时间和金钱的代价。
三、通过_景观水景设计_来体现随性自然
景观水景设计是通过对水元素的提取和利用,演变为景观喷泉、景观溪流、景观瀑布等样貌,从而将原本呆板、消极的空间场地,塑造出活跃、灵动、热闹、欢快的氛围。景观水景设计在实际的设计工作过程中,要根据我国南北方的气候差异,控制好水景的面积和样式,例如北方天气冬日较为寒冷,水景易于上冻,另外,需要考虑到风力的影响和落叶的因素,对水景设计造成的干扰,避免出现设计的漂亮却较难管理维护使用。另外,在细部设计的时候,需要考虑水质的影响,例如水景泛碱化的特殊处理,水的流动效果的精妙控制等。景观水景设计不仅仅是造水、设水这么简单,还要同时兼顾水的特点、气候的特点、以及人的实际需要,如若不然,再好的创意想法,再好的水景布置,都会带来高昂的代价。因此,设计中做到亲水、爱水,同时不乱设水,就是对空间环境随性自然最好的体现。
四、通过_景观构筑物_来体现随性自然
景观构筑物是通过景观小品建筑和景观功能用房的设计,将原本休闲功能匮乏的空间场地,塑造出更多、更符合人们休闲利用的景观环境。每一个景观构筑物,都会凝结设计师对空间场地比较新颖的想法,从而成为空间环境最具吸引人的最佳配置因素。景观构筑物在实际的设计工作过程中,要充分的分析调研人们的爱好和需求,将具体的功能作为建筑室内功能的补充,而不能发生冲突,或者打造某一室内功能的户外体验性延续,而不能做简单的功能复制或移置。景观构筑物的最终目的是让人喜欢,从而使行人享受到更多休闲的乐趣。因此,与人与自然最为和谐的景观构筑物,就是随性自然最好的体现。
五、通过_景观文化墙_来体现随性自然
景观文化墙是通过灰渣砖、钢筋混凝土、清水发光混凝土等建筑材料的砌筑或浇灌,结合独特的文化性、艺术性的装饰,专门打造出来的特殊景观墙体,而不同与一般性能的建筑围墙。景观文化墙的设置,将原本人文关怀缺失、景观视线一览无余的空间场地,塑造出丰富多彩的空间感受。景观文化墙在实际的设计工作过程中,需要提炼出项目当地风俗文化中的精华所在,找出最具感动人心、激励生活的故事,并塑造与空间环境主题相符的理念,使人能够感同身受。景观文化墙的文化展示属性,要大于他的造型审美,这是设计师需要尤为注意的地方。通过前期对景观文化墙的定位设想,通过深入的文化主题性提炼,通过经济简约的设计施工,这样的景观文化墙就是对空间环境随性自然最好的体现。
六、通过_景观雕塑_来体现随性自然
景观雕塑是通过雕塑小品的设计和应用,将原本单调的环境空间,塑造出鲜明的趣味性,从而加深人们对此处空间场地的印象。景观雕塑通常配置在环境的路途中,或者作为点景元素来运用,也可以设置在大型的广场,作为氛围强烈的主题性能的展示。景观雕塑在实际的设计工作过程中,需要与项目的整体设计理念相统一,做到吸引人、点醒人的作用。景观雕塑与纯艺术雕塑相比,景观雕塑更加强调突出雕塑设置在环境当中的作用。景观雕塑不必一定要去,追求米开朗基罗、罗丹那样的强烈艺术感,而要像摩尔雕塑那样,与自然发生最为密切的环境互动。也就是说,雕塑本身就是艺术,让艺术更好的服务与自然环境和人的使用,就是最好的随性自然。
最后,希望对您有所帮助。
期待您的关注,与进一步交流讨论!
2. 意大利佛罗伦萨市政广场雕塑有哪些?
其中较著名的有米开朗基罗的《大卫》、切利尼的《帕尔修斯》(1554年)和章博洛尼亚的《海克力斯与半人马》。
建筑的右边是巴托洛米奥·阿曼纳蒂和他的助手们作的《海神喷泉》(1563—1575年)。水池正中海马拉的双轮战车上立着巨大的白色海神像,佛罗伦萨人称它为“大白雕”(bian-cone,一种猛禽)。水池四周还有多姿多彩的青铜雕像。喷泉的北边竖立着章博洛尼亚作的科西摩一世骑马像(1594年)。广场四周是造型朴素的历史建筑。3. 你被哪些雕塑作品震撼过?
以下的推荐,都是令我个人感到震撼的作品,
这里说句题外话,有些时候,你不亲眼近距离去感受,是领会不到作品所传递的氛围的,尤其是雕塑这种在空间中360度都有呈现的立体艺术品。1.Bruno Walpoth当时我在国内的一个美术馆意大利交流展里看到这个遍体鳞伤躺在地面上地女性雕塑时,我的内心就被震撼了,我很难表述出我看到她时的感受,唯美又饱经磨难,静谧又凸显冲击力,仿佛世界是安静的,只留下自己的心跳声,她以一种保护性的蜷缩姿态入睡。上面这件作品的创作者名叫Bruno Walpoth,也是我推荐的第一位雕塑艺术家:这位1959年出生于意大利的雕塑家名叫Bruno Walpoth (布鲁诺·瓦尔波特),他被誉为本世纪最伟大木雕艺术家之一,也是意大利的国宝级雕塑家。他曾是雕塑大师Vincenzo Mussner的学徒,师从汉斯·蓝德纳,2010年专注木雕作品。布鲁诺将细腻的情感,深深的刻画在那些逼真的木雕之上,而雕刻好的木雕通过肢体语言和表情,传递出一种淡淡的哀愁,但整体又很内敛,让人惊叹之余,不由自主的从心底产生一种怜悯之情。这就是布鲁诺作品的魅力所在,超级逼真超级细腻的外表之下,所有木雕都恍惚被注入了灵魂。他觉得重要的是人的内心,即人的情感、精神等。布鲁诺擅长写实风格的木雕,在他的作品里很难看见木质硬的一面,而是非常的柔软、顺滑,就像人体固有的优美曲线。他的创作视角通常带有绘画性,强调节奏与纹理的整体配合与呼应。事实上,布鲁诺的作品中隐含着许多东方哲学语言,相对细腻,也更容易被接受。通常以一种审慎、内向的姿态存在,充满着强烈的内省感。他作品带有一种温和沉静的特质,这使布鲁诺的作品充满了融入感——在松弛自然的表情以及天然木材的有机感的综合作用下,艺术品与人之间隔阂似乎得到了消解,“观与被观”的桎梏得以巧妙解除2.Nazar Bilyk初看Nazar Bilyk的时候,觉得他太浪漫了,一颗硕大的雨滴落在仰望天空的人脸上,瞬间笼罩起了一股悲伤的气氛,而晶莹剔透的雨滴又像泪珠一般,映射着这个世界:Nazar Bilyk将他的作品描述为一个人与自己的内心对话。他通过雕塑探索可见的边界,使用玻璃、青铜、钢和各种聚合物等材料进行实验。在他的作品中,艺术家正在寻找“现代雕塑”这个概念的定义。从实体和技术的角度来看,Nazar Bilyk的作品都是多样化和多语义的。在形式上非常简单明了,但是它所隐喻的内容揭示了我个人对人类的思考。首先,这个作品致力于它与内心的对话,这是一种质疑,对意义的追寻,揭示了我们每个人一生中出现的内心未解决的问题。在寻求他们的答案时,他将脸仰向天空。——Nazar Bilyk很多人都是通过上面这件作品认识到的Nazar Bilyk,但Nazar Bilyk本人的其他作品也非常优秀:4. 如何欣赏评价绘画大师藉里柯的油画画风?
终生爱马,最终却死于马下——拿破仑的忠实粉丝,法国浪漫主义的先驱籍里柯
说到法国浪漫主义我们自然会想到它的代表人物德拉克罗瓦,但真正开辟浪漫主义运动的则是德拉克罗瓦崇拜的偶像让·路易·安德烈·泰奥多尔·籍里柯——法国浪漫主义的先驱。我们从他的不同时期的经历来了解一下这位大师艺术风格的形成与转变。
——籍里柯作品《煤车》
艺术上的天才
籍里柯在1810年师从古典主义大师达维特的学生盖兰学习古典绘画。在学习期间他就显示出非凡的艺术天赋,他不遵从传统古典主义的创作法则,坚持自己的绘画风格,表现出异于常人的绘画才能。对于这位在绘画上不走寻常路的学生,他的老师盖兰也不得不佩服他的绘画天分。
——籍里柯作品《玛丽》
爱马成痴的骑手画家
少年时期的籍里柯有两大嗜好——骑马和画画,他非常喜欢马,我们从他大量的描绘马匹的作品中就能看出他对马的喜爱,因为喜欢马,他甚至在朋友的怂恿下跑到路易十八的贵族近卫骑兵队服役。
——籍里柯作品《灰树花》
在籍里柯的学生时代就热衷于对马的写生,在他的很多创作中都有马的形象。他创作于1812年的成名作《帝国的骑兵团在冲锋》里,对战马的刻画有着非常精彩的表现。一位评论家在品评这幅画时曾经说过:“画中人物的运动,尤其是马的运动,夸张的非常出色。色调关系本来还可以再热烈些,但不失和谐,笔触自然巧妙。”
——籍里柯作品《帝国的骑兵团在冲锋》
从古典主义走向浪漫主义
在籍里柯早期的绘画受到格罗很大的影响,在创作中摆脱了古典主义的束缚,注重人物真实情感的表现,构图也不流于传统样式,色彩的表现也愈发的鲜明,开始表现出略显激进的浪漫主义风格,这与古典主义是尖锐对立的,以至于他的师爷达维特在评价他的《帝国的骑兵团在冲锋》时说“这是哪儿来的?我不承认这种画法!”
——籍里柯作品《精神病人——嫉妒》
雄伟画风的确立
1816年籍里柯为了研究文艺复兴时期的艺术遗产开始了他的意大利之旅。在意大利期间,他受到米卡郎基罗雄伟宏大的画风影响,开始探索绘画创作更为概括的表现手法,在此期间,他开始观察普通大众的生活,创作了一些斗牛场面的画作,同时也创作了一批以神话为题材的作品。
——籍里柯作品《跑马》
拿破仑的拥趸
籍里柯是拿破仑的忠实拥护者,由于对路易十八波旁王朝的倒行逆施强烈的不满,更是把这种不满寄托在了对拿破仑的怀念上,把拿破仑奉为自由、平等、博爱的象征,也把他作为民主力量的旗帜。正是他的这种进步的民主政治思想和艺术观点,他在选择当时轰动一时的政治事件梅杜萨战舰的沉没作为题材,创作了闻名世界的浪漫主义代表作《梅杜萨之筏》。
——籍里柯作品《梅杜萨之筏》
在创作中从现实生活的角度出发,描绘人们的痛苦与不幸,同时,也表达出人们的期待与希望。木筏上人们痛苦的经历让人很自然地想到复辟年代人们水深火热的生活和不幸的遭遇,表达出籍里柯对人们命运的关注和强烈的人道主义精神。
——籍里柯作品《野性难驯》
艺术的巅峰,生命的终结
1820年到英国展览他的这幅《梅杜萨之筏》,在展览期间,籍里柯对英国的文学、艺术大加赞赏,尤其是对康斯太布尔的绘画技法非常钦佩,在表现手法上吸收了康氏的自然和单纯以及在色彩方面的成就。喜爱骑马的的他在英国还参加了艾普松赛马场的比赛,并根据自身的感受创作了那幅著名的《艾普松的赛马》。
——籍里柯作品《艾普松的赛马》
籍里柯的英国之旅对他的影响是非常大的,可以说这是籍里柯艺术生涯的巅峰时期。但造化弄人,本来就因为苦苦创作而患上坐骨神经炎的籍里柯,回到法国后不听劝阻去骑马,结果这位骑术精湛的画家不慎坠马受伤,在病榻上煎熬了十一个月之后与世长辞,终年33岁。
——籍里柯作品《解剖》
结语籍里柯作为法国浪漫主义的先驱,并没有完全摆脱古典主义的影响,在艺术上可能还不够尽善尽美,并带有一定的片面性。但是他开拓的浪漫主义绘画,为人们展开了一个充满理想、创作空间和情感热烈的世界,也对之后的艺术流派产生深远的影响。
不同的视角,互通的视界,我是魔韵,欢迎同道互动交流。
5. 铜像的故事?
你好,铜像的故事有很多,以下列举几个:
1. 自由女神像:自由女神像是一座高46米的铜像,位于美国纽约市自由岛上。这座铜像是法国送给美国的礼物,以纪念美国独立战争的胜利和自由精神。自由女神像的设计者是法国雕塑家巴托尔迪,他在1886年完成了这座铜像的建造。自由女神像成为了美国最著名的象征之一,也是世界上最受欢迎的旅游景点之一。
2. 大卫像:大卫像是意大利文艺复兴时期雕刻家米开朗基罗创作的一座巨型铜像,高5.17米。这座铜像描绘了圣经中的大卫王,他手持弹弓,准备对抗巨人。大卫像是米开朗基罗的代表作之一,也是艺术史上最伟大的铜像之一。这座铜像现在被收藏在佛罗伦萨的阿卡德米美术馆中。
3. 北京天安门广场上的毛泽东像:毛泽东像是中国最著名的铜像之一,位于北京天安门广场的中心位置。这座铜像高6.3米,重46.5吨。它是为了纪念毛泽东在中国革命和建设中的杰出贡献而建造的。这座铜像在中国有着重要的象征意义,也是北京天安门广场最具代表性的景点之一。
4. 憩园的铜像:憩园是一个小型的公园,位于日本东京都中央区的银座地区。这个公园里有许多美丽的花卉和小动物,还有一些精美的铜像。这些铜像描绘了日本历史上的一些著名人物和传说中的神话人物,如侍者、武士、龙等。这些铜像成为了憩园的重要景点之一,也吸引了许多游客前来游览。
6. 意大利风情街主要景点及其特点?
意大利拥有许多迷人的风情街,其中一些主要景点及其特点包括:
1. 罗马的西班牙广场(Piazza di Spagna):这是罗马最著名的广场之一,以其豪华的西班牙大使馆和著名的斜坡阶梯(西班牙阶梯)而闻名。广场周围有时尚的购物区,吸引了许多游客和购物者。
2. 米兰的蒙特纳佐大街(Via Montenapoleone):位于米兰时尚区,是世界上最著名的购物街之一。这条街上有许多国际品牌的时装店、珠宝店和奢侈品店,吸引了时尚爱好者和购物者。
3. 威尼斯的圣马可广场(Piazza San Marco):这是威尼斯最著名的广场,被认为是世界上最美丽的广场之一。广场上有圣马可大教堂、圣马可钟楼和威尼斯宫等标志性建筑,周围有咖啡馆和精品店,吸引了无数游客。
4. 佛罗伦萨的皮提宫广场(Piazza della Signoria):这是佛罗伦萨的主要广场之一,以其雄伟的皮提宫和米开朗基罗的雕塑《大卫》而闻名。广场上还有许多其他雕塑和古老的建筑,是游客欣赏佛罗伦萨文艺复兴风格的理想场所。
5. 那不勒斯的斯帕卡尼亚大道(Via Toledo):这是那不勒斯最重要的购物街之一,以其许多商店、百货商店和咖啡馆而闻名。大道两侧有美丽的建筑和历史悠久的教堂,提供了一个热闹繁忙的购物和观光场所。
以上只是意大利一些著名风情街的例子,每个地方都有其独特的特点和吸引力。无论是历史建筑、时尚购物、文化景点还是美食体验,意大利的风情街都能给游客带来独特而难忘的体验。
7. 法国19世纪铜雕塑有什么相同点和变化?
【文藏来答】大家好,我是文藏的艺术小编Kiki~如果各位喜欢我的回答,就请给我一个赞或者是一个关注吧!
和绘画一样,雕塑是造型艺术最重要,也是最古老的技法和门类之一。雕塑的媒介也多种多样,比如木雕、石雕、泥塑、石膏、陶和铜等等。其中铜是被广泛运用的一种雕塑媒介,且在十九世纪,法国铜雕塑迎来了它的黄金发展阶段。但人类早期的青铜和今天我们讨论的在十九世纪用来铸造雕塑的“铜”从成份上已经相差很远。
古今青铜器成分变化究竟多大
我们今天把铜雕塑叫做Bronze, 早在公元前2500年左右的古希腊就已经有铜雕塑的出现,也是差不多同一时期,我国历史上也出现了用来作为礼器的青铜器皿。之所以被称为青铜,其实也是因为埋藏在地下的青铜器氧化后出现的青绿表面而得名。但人类早期的青铜和今天我们讨论的在十九世纪用来铸造雕塑的“铜”从成份上已经是相差很远,尽管二者都被统称为Bronze。其实Bronze的意思就是一种含有铜元素的合金,通常是和锡、铝、铅、等不同元素混合。
远古人类青铜器时代的铜大概是在600-800度之间冶炼制成,而19世纪的铜雕塑通常在1200-1400度之间冶炼铸造。但由于不同国家和地区的工匠有不同的配比方式,所以Bronze的成份和配方也是多种多样,再加上不同语言中对Bronze的叫法也都有不同,比如,在中文中,Bronze就被翻译成青铜,很容易让人与远古青铜器混淆。为了避免混淆,一些博物馆也在寻找新的名词区别这两种概念。有些国家和地区也对Bronze的配比也有规定,比如在法国,Bronze中,纯铜的比例不能低于80%。
从远古时代以来,人类一直在运用铜来铸造雕塑。铜雕塑真正的“黄金时代”出现在十九世纪的法国,不论从出品的数量,制作品质,还是艺术水准都达到了古典艺术的巅峰。 在十九世纪上半期,尤其是在第二帝国和第三共和国时期,在巴黎出现了一些铸造铜雕塑的铸造工坊,这些工坊开始出品精美的小型铜雕塑。从那时开始铜雕塑成为重要的收藏门类,直到今天,仍然在艺术市场上占据着重要地位。在铜雕塑市场的形成和发展中,铸造工坊扮演了很重要的角色。当时的铸造工坊,不仅仅只解决了生产环节,同时也被成为“出版商”,他们与艺术家签署“版权合同”,与艺术家合作“出版”铜雕塑,然后再进行市场化。也就是说,艺术家创作作品,而铸造工坊提供技术和资金来完成作品,当然,在工坊铸造的过程中,艺术家也要参与工匠们制作作品的过程,才能把控作品的品质。有了这种新型的模式,才能够逐渐满足新兴资产阶级的收藏和装饰需求。
另外一个重要因素是,在1836年,法国工程师Achille Collas发明了一种可以将雕塑按比例缩放的技术,这项技术几乎改变了整个铜雕塑的历史。这项技术让很多雕塑家的大型公共雕塑作品可以按比利缩小成为符合室内环境的收藏雕塑。 著名工坊Barbedienne在1839年与Achille Collas合作成立了公司,将这项技术不仅运用在当时的艺术家的作品的制作上,同时还将很多古代名作缩小成为室内收藏雕塑。一些十九世纪雕塑家的代表作,也会通过这项技术来制作成不同尺寸的版本。
尽管铜合金的配比在历史上一直进步,但是脱蜡铸造法在几千年来变化并不大。这是一种用蜡来填充内核和外模之间空隙的方法,再通过加热让蜡流出,这样就可以获得浇铸铜的空间。几乎每一件铜雕塑都是分段来铸造的,根据作品的造型来分解,比如,人物的头部、躯干、四肢都会被分解成局部铸造再链接到一起。所以对每一个部分铸造的精度的要求就很高。
风格和题材的变化
对收藏者来说,除了对作品制作工艺和存量的关注,对作品风格和题材的了解更加重要。
十九世纪可以说是古典艺术史最辉煌的时期之一,由于经济、哲学和社会意识形态的变化发展,这一时期出现了很多不同的艺术风格和流派,这种辉煌一直持续到二十世纪30年代。在此期间,新古典主义、浪漫主义、现实主义、折衷主义、自然主义、印象派、现代主义、新艺术风格以及装饰艺术风格相继出现,并涌现出大批优秀的艺术家和作品。他们都通过法国的“沙龙展”来展示自己的作品,并迅速的走向市场。这个舞台不仅只展示法国艺术家的作品,也吸引很多欧洲其他国家艺术家来到法国工作。沙龙展不仅是艺术收藏的市场,也是法国国家收藏的基础,今天在奥赛博物馆中的很多藏品,都来自那个年代的国家收藏。
其中题材也多种多样,神话题材和动物题材最为常见。 在临近二十世纪时,也出现了表现艺术家个人情感的象征和神秘题材。
在十九世纪初,拿破仑的第一帝国推崇新古典主义,这不仅仅与十八世纪中期对庞贝古城发掘有关,国家意识形态的推广也是重要的原因。拿破仑将自己塑造成古罗马时代的皇帝们形象,当时有大量国家定制的作品都是这样的风格,为了彰显国家政权的威严。帝国时期的国家定制基本是由学院派艺术家完成。同时,也有很多古希腊古罗马时期的正统的“古典”时期的雕塑被缩小制成铜雕塑,Barbedienne工坊就出品了很多这样的作品。
与此相对应的,出现了浪漫主义风格。Barye(巴利)是浪漫主义风格最重要的代表人物,被称为“雕塑界的德拉克罗瓦”,他擅长创作动物题材的作品,尤其是动物之间搏斗的场面,构图上打破了古典主义追求的平稳,让作品呈现“运动的状态”来表达情绪。
无产阶级革命思潮导致了巴黎公社的运动,在艺术上则呈现为现实主义。Dalou(达卢)是这一风格的主要代表,他创作了一系列劳动者的形象,其中《伟大的农民》成为经典。在巴黎的民族广场上有一件他创作的大型群组雕塑-《劳动者纪念碑》。
当然,在这样艺术形态与艺术风格相互冲突并交融的时代里,也有的艺术家摒弃这种差异,采用开放的思维来面对不同的艺术思潮,Carpeaux和Falguière就是这样的艺术家,是折衷主义的代表,他们的作品既有古典主义造型的严谨,也有浪漫主义的情绪和动感。巴黎歌剧院的外墙的装饰雕塑,就是Carpeaux的代表作,经典不朽。
在这一时期,还有一位独树一帜,不得不提到的大师就是罗丹,其深受米开朗基罗的影响。早期从现实主义开始,慢慢形成自己独特的风格,通过局部的夸张和变形来表达人物内心的情绪。受到现代主义思潮的影响,罗丹是古典雕塑向现代雕塑过渡的关键转变。
在20世纪来临的时候,一些艺术家开始大胆的尝试一种新的艺术思维,他们希望摆脱过去以单纯的模拟现实形象为目的的思维方式,而是完全创造出新的造型。很多新科技和材料的运用可以让艺术家的创作更加自由,还有另一个重要的原因-来自东方文化的影响。 我们称这种艺术风格为“新艺术风格”。
随着“一战”的到来,新艺术风格戛然而止。在战争结束后,全球经济进入一个高速发展的时期,随着飞机,汽车的广泛运用,人类对于速度有了新的认知。这种认知给了人类全新的视觉感受,随之而来也产生了新的艺术风格-装饰艺术风格(ART DECO)。
尽管铜雕塑从十九世纪以来一直是艺术收藏的重要门类,但这项收藏在中国目前还是非常小众的。这和我们的文化传统和生活习惯有一定的关系,随着居住空间的改变,国人也慢慢习惯于在室内空间摆放雕塑。
原文:法国十九世纪铜雕塑——吴昊
资源出处:《收藏投资导刊》2017年5月刊总156期
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1. 米开朗基罗广场,园林景观设计如何体现随性自然?
您好!
我是一名园林景观设计师,目前担任JRVS吉尔维森创意总监,很高兴看到您的问题,我愿结合自身经验,与您分享我的看法。
我认为,园林景观设计当中随性自然的体现,其实就是建立一种人与自然和谐共处关系的体现。
而唯一的方法就是师法自然。自然界的万事万物的出现,都不是任意自发的,而是有规律的、有秩序的。设计师需要不断的从中领会,从而才能做出更好的设计。下面,我以景观六要素的设计运用,来阐述如何体现随性自然:
一、通过_景观微地形_来体现随性自然
景观微地形是通过堆土置坡,将原本平整的空间场地,塑造出丰富的竖向高差变化,从而使空间场地更加富有吸引力。景观微地形在实际的设计工作过程中,需不需要来做,要看具体空间场地的现状景观资源条件。假如说,现状资源优势比较突出,地形本身也富有变化,那就可以不做景观微地形,这个判断抉择,就是与环境状况所做出的随性自然,或者说和谐关系,反之亦然。
二、通过_景观绿化配置_来体现随性自然
景观绿化配置是通过景观植物的搭配种植,将原本植被荒芜或凌乱不堪的空间场地,塑造出生态价值高、观赏性能好、易于休闲纳荫的绿色空间样貌。景观绿化配置在实际的设计工作过程中,要认真研究不同植物的生长习性,考虑到我国南北方的植物育种和选型差异,并且要根据项目当地人们对植物的喜爱偏好,来具体配置。假如说,强行将南方形态美观的植物运往北方种植,则破坏了自然育种的规律,导致植物的死亡不说,还浪费许多工程成本。因此,掌握植物的生长习性、配置原理、种植方式,就是与自然环境,与人的需求所做出的随性自然,或者说和谐关系,反之,不这么去做,就要付出更多时间和金钱的代价。
三、通过_景观水景设计_来体现随性自然
景观水景设计是通过对水元素的提取和利用,演变为景观喷泉、景观溪流、景观瀑布等样貌,从而将原本呆板、消极的空间场地,塑造出活跃、灵动、热闹、欢快的氛围。景观水景设计在实际的设计工作过程中,要根据我国南北方的气候差异,控制好水景的面积和样式,例如北方天气冬日较为寒冷,水景易于上冻,另外,需要考虑到风力的影响和落叶的因素,对水景设计造成的干扰,避免出现设计的漂亮却较难管理维护使用。另外,在细部设计的时候,需要考虑水质的影响,例如水景泛碱化的特殊处理,水的流动效果的精妙控制等。景观水景设计不仅仅是造水、设水这么简单,还要同时兼顾水的特点、气候的特点、以及人的实际需要,如若不然,再好的创意想法,再好的水景布置,都会带来高昂的代价。因此,设计中做到亲水、爱水,同时不乱设水,就是对空间环境随性自然最好的体现。
四、通过_景观构筑物_来体现随性自然
景观构筑物是通过景观小品建筑和景观功能用房的设计,将原本休闲功能匮乏的空间场地,塑造出更多、更符合人们休闲利用的景观环境。每一个景观构筑物,都会凝结设计师对空间场地比较新颖的想法,从而成为空间环境最具吸引人的最佳配置因素。景观构筑物在实际的设计工作过程中,要充分的分析调研人们的爱好和需求,将具体的功能作为建筑室内功能的补充,而不能发生冲突,或者打造某一室内功能的户外体验性延续,而不能做简单的功能复制或移置。景观构筑物的最终目的是让人喜欢,从而使行人享受到更多休闲的乐趣。因此,与人与自然最为和谐的景观构筑物,就是随性自然最好的体现。
五、通过_景观文化墙_来体现随性自然
景观文化墙是通过灰渣砖、钢筋混凝土、清水发光混凝土等建筑材料的砌筑或浇灌,结合独特的文化性、艺术性的装饰,专门打造出来的特殊景观墙体,而不同与一般性能的建筑围墙。景观文化墙的设置,将原本人文关怀缺失、景观视线一览无余的空间场地,塑造出丰富多彩的空间感受。景观文化墙在实际的设计工作过程中,需要提炼出项目当地风俗文化中的精华所在,找出最具感动人心、激励生活的故事,并塑造与空间环境主题相符的理念,使人能够感同身受。景观文化墙的文化展示属性,要大于他的造型审美,这是设计师需要尤为注意的地方。通过前期对景观文化墙的定位设想,通过深入的文化主题性提炼,通过经济简约的设计施工,这样的景观文化墙就是对空间环境随性自然最好的体现。
六、通过_景观雕塑_来体现随性自然
景观雕塑是通过雕塑小品的设计和应用,将原本单调的环境空间,塑造出鲜明的趣味性,从而加深人们对此处空间场地的印象。景观雕塑通常配置在环境的路途中,或者作为点景元素来运用,也可以设置在大型的广场,作为氛围强烈的主题性能的展示。景观雕塑在实际的设计工作过程中,需要与项目的整体设计理念相统一,做到吸引人、点醒人的作用。景观雕塑与纯艺术雕塑相比,景观雕塑更加强调突出雕塑设置在环境当中的作用。景观雕塑不必一定要去,追求米开朗基罗、罗丹那样的强烈艺术感,而要像摩尔雕塑那样,与自然发生最为密切的环境互动。也就是说,雕塑本身就是艺术,让艺术更好的服务与自然环境和人的使用,就是最好的随性自然。
最后,希望对您有所帮助。
期待您的关注,与进一步交流讨论!
2. 意大利佛罗伦萨市政广场雕塑有哪些?
其中较著名的有米开朗基罗的《大卫》、切利尼的《帕尔修斯》(1554年)和章博洛尼亚的《海克力斯与半人马》。
建筑的右边是巴托洛米奥·阿曼纳蒂和他的助手们作的《海神喷泉》(1563—1575年)。水池正中海马拉的双轮战车上立着巨大的白色海神像,佛罗伦萨人称它为“大白雕”(bian-cone,一种猛禽)。水池四周还有多姿多彩的青铜雕像。喷泉的北边竖立着章博洛尼亚作的科西摩一世骑马像(1594年)。广场四周是造型朴素的历史建筑。3. 你被哪些雕塑作品震撼过?
以下的推荐,都是令我个人感到震撼的作品,
这里说句题外话,有些时候,你不亲眼近距离去感受,是领会不到作品所传递的氛围的,尤其是雕塑这种在空间中360度都有呈现的立体艺术品。1.Bruno Walpoth当时我在国内的一个美术馆意大利交流展里看到这个遍体鳞伤躺在地面上地女性雕塑时,我的内心就被震撼了,我很难表述出我看到她时的感受,唯美又饱经磨难,静谧又凸显冲击力,仿佛世界是安静的,只留下自己的心跳声,她以一种保护性的蜷缩姿态入睡。上面这件作品的创作者名叫Bruno Walpoth,也是我推荐的第一位雕塑艺术家:这位1959年出生于意大利的雕塑家名叫Bruno Walpoth (布鲁诺·瓦尔波特),他被誉为本世纪最伟大木雕艺术家之一,也是意大利的国宝级雕塑家。他曾是雕塑大师Vincenzo Mussner的学徒,师从汉斯·蓝德纳,2010年专注木雕作品。布鲁诺将细腻的情感,深深的刻画在那些逼真的木雕之上,而雕刻好的木雕通过肢体语言和表情,传递出一种淡淡的哀愁,但整体又很内敛,让人惊叹之余,不由自主的从心底产生一种怜悯之情。这就是布鲁诺作品的魅力所在,超级逼真超级细腻的外表之下,所有木雕都恍惚被注入了灵魂。他觉得重要的是人的内心,即人的情感、精神等。布鲁诺擅长写实风格的木雕,在他的作品里很难看见木质硬的一面,而是非常的柔软、顺滑,就像人体固有的优美曲线。他的创作视角通常带有绘画性,强调节奏与纹理的整体配合与呼应。事实上,布鲁诺的作品中隐含着许多东方哲学语言,相对细腻,也更容易被接受。通常以一种审慎、内向的姿态存在,充满着强烈的内省感。他作品带有一种温和沉静的特质,这使布鲁诺的作品充满了融入感——在松弛自然的表情以及天然木材的有机感的综合作用下,艺术品与人之间隔阂似乎得到了消解,“观与被观”的桎梏得以巧妙解除2.Nazar Bilyk初看Nazar Bilyk的时候,觉得他太浪漫了,一颗硕大的雨滴落在仰望天空的人脸上,瞬间笼罩起了一股悲伤的气氛,而晶莹剔透的雨滴又像泪珠一般,映射着这个世界:Nazar Bilyk将他的作品描述为一个人与自己的内心对话。他通过雕塑探索可见的边界,使用玻璃、青铜、钢和各种聚合物等材料进行实验。在他的作品中,艺术家正在寻找“现代雕塑”这个概念的定义。从实体和技术的角度来看,Nazar Bilyk的作品都是多样化和多语义的。在形式上非常简单明了,但是它所隐喻的内容揭示了我个人对人类的思考。首先,这个作品致力于它与内心的对话,这是一种质疑,对意义的追寻,揭示了我们每个人一生中出现的内心未解决的问题。在寻求他们的答案时,他将脸仰向天空。——Nazar Bilyk很多人都是通过上面这件作品认识到的Nazar Bilyk,但Nazar Bilyk本人的其他作品也非常优秀:4. 如何欣赏评价绘画大师藉里柯的油画画风?
终生爱马,最终却死于马下——拿破仑的忠实粉丝,法国浪漫主义的先驱籍里柯
说到法国浪漫主义我们自然会想到它的代表人物德拉克罗瓦,但真正开辟浪漫主义运动的则是德拉克罗瓦崇拜的偶像让·路易·安德烈·泰奥多尔·籍里柯——法国浪漫主义的先驱。我们从他的不同时期的经历来了解一下这位大师艺术风格的形成与转变。
——籍里柯作品《煤车》
艺术上的天才
籍里柯在1810年师从古典主义大师达维特的学生盖兰学习古典绘画。在学习期间他就显示出非凡的艺术天赋,他不遵从传统古典主义的创作法则,坚持自己的绘画风格,表现出异于常人的绘画才能。对于这位在绘画上不走寻常路的学生,他的老师盖兰也不得不佩服他的绘画天分。
——籍里柯作品《玛丽》
爱马成痴的骑手画家
少年时期的籍里柯有两大嗜好——骑马和画画,他非常喜欢马,我们从他大量的描绘马匹的作品中就能看出他对马的喜爱,因为喜欢马,他甚至在朋友的怂恿下跑到路易十八的贵族近卫骑兵队服役。
——籍里柯作品《灰树花》
在籍里柯的学生时代就热衷于对马的写生,在他的很多创作中都有马的形象。他创作于1812年的成名作《帝国的骑兵团在冲锋》里,对战马的刻画有着非常精彩的表现。一位评论家在品评这幅画时曾经说过:“画中人物的运动,尤其是马的运动,夸张的非常出色。色调关系本来还可以再热烈些,但不失和谐,笔触自然巧妙。”
——籍里柯作品《帝国的骑兵团在冲锋》
从古典主义走向浪漫主义
在籍里柯早期的绘画受到格罗很大的影响,在创作中摆脱了古典主义的束缚,注重人物真实情感的表现,构图也不流于传统样式,色彩的表现也愈发的鲜明,开始表现出略显激进的浪漫主义风格,这与古典主义是尖锐对立的,以至于他的师爷达维特在评价他的《帝国的骑兵团在冲锋》时说“这是哪儿来的?我不承认这种画法!”
——籍里柯作品《精神病人——嫉妒》
雄伟画风的确立
1816年籍里柯为了研究文艺复兴时期的艺术遗产开始了他的意大利之旅。在意大利期间,他受到米卡郎基罗雄伟宏大的画风影响,开始探索绘画创作更为概括的表现手法,在此期间,他开始观察普通大众的生活,创作了一些斗牛场面的画作,同时也创作了一批以神话为题材的作品。
——籍里柯作品《跑马》
拿破仑的拥趸
籍里柯是拿破仑的忠实拥护者,由于对路易十八波旁王朝的倒行逆施强烈的不满,更是把这种不满寄托在了对拿破仑的怀念上,把拿破仑奉为自由、平等、博爱的象征,也把他作为民主力量的旗帜。正是他的这种进步的民主政治思想和艺术观点,他在选择当时轰动一时的政治事件梅杜萨战舰的沉没作为题材,创作了闻名世界的浪漫主义代表作《梅杜萨之筏》。
——籍里柯作品《梅杜萨之筏》
在创作中从现实生活的角度出发,描绘人们的痛苦与不幸,同时,也表达出人们的期待与希望。木筏上人们痛苦的经历让人很自然地想到复辟年代人们水深火热的生活和不幸的遭遇,表达出籍里柯对人们命运的关注和强烈的人道主义精神。
——籍里柯作品《野性难驯》
艺术的巅峰,生命的终结
1820年到英国展览他的这幅《梅杜萨之筏》,在展览期间,籍里柯对英国的文学、艺术大加赞赏,尤其是对康斯太布尔的绘画技法非常钦佩,在表现手法上吸收了康氏的自然和单纯以及在色彩方面的成就。喜爱骑马的的他在英国还参加了艾普松赛马场的比赛,并根据自身的感受创作了那幅著名的《艾普松的赛马》。
——籍里柯作品《艾普松的赛马》
籍里柯的英国之旅对他的影响是非常大的,可以说这是籍里柯艺术生涯的巅峰时期。但造化弄人,本来就因为苦苦创作而患上坐骨神经炎的籍里柯,回到法国后不听劝阻去骑马,结果这位骑术精湛的画家不慎坠马受伤,在病榻上煎熬了十一个月之后与世长辞,终年33岁。
——籍里柯作品《解剖》
结语籍里柯作为法国浪漫主义的先驱,并没有完全摆脱古典主义的影响,在艺术上可能还不够尽善尽美,并带有一定的片面性。但是他开拓的浪漫主义绘画,为人们展开了一个充满理想、创作空间和情感热烈的世界,也对之后的艺术流派产生深远的影响。
不同的视角,互通的视界,我是魔韵,欢迎同道互动交流。
5. 铜像的故事?
你好,铜像的故事有很多,以下列举几个:
1. 自由女神像:自由女神像是一座高46米的铜像,位于美国纽约市自由岛上。这座铜像是法国送给美国的礼物,以纪念美国独立战争的胜利和自由精神。自由女神像的设计者是法国雕塑家巴托尔迪,他在1886年完成了这座铜像的建造。自由女神像成为了美国最著名的象征之一,也是世界上最受欢迎的旅游景点之一。
2. 大卫像:大卫像是意大利文艺复兴时期雕刻家米开朗基罗创作的一座巨型铜像,高5.17米。这座铜像描绘了圣经中的大卫王,他手持弹弓,准备对抗巨人。大卫像是米开朗基罗的代表作之一,也是艺术史上最伟大的铜像之一。这座铜像现在被收藏在佛罗伦萨的阿卡德米美术馆中。
3. 北京天安门广场上的毛泽东像:毛泽东像是中国最著名的铜像之一,位于北京天安门广场的中心位置。这座铜像高6.3米,重46.5吨。它是为了纪念毛泽东在中国革命和建设中的杰出贡献而建造的。这座铜像在中国有着重要的象征意义,也是北京天安门广场最具代表性的景点之一。
4. 憩园的铜像:憩园是一个小型的公园,位于日本东京都中央区的银座地区。这个公园里有许多美丽的花卉和小动物,还有一些精美的铜像。这些铜像描绘了日本历史上的一些著名人物和传说中的神话人物,如侍者、武士、龙等。这些铜像成为了憩园的重要景点之一,也吸引了许多游客前来游览。
6. 意大利风情街主要景点及其特点?
意大利拥有许多迷人的风情街,其中一些主要景点及其特点包括:
1. 罗马的西班牙广场(Piazza di Spagna):这是罗马最著名的广场之一,以其豪华的西班牙大使馆和著名的斜坡阶梯(西班牙阶梯)而闻名。广场周围有时尚的购物区,吸引了许多游客和购物者。
2. 米兰的蒙特纳佐大街(Via Montenapoleone):位于米兰时尚区,是世界上最著名的购物街之一。这条街上有许多国际品牌的时装店、珠宝店和奢侈品店,吸引了时尚爱好者和购物者。
3. 威尼斯的圣马可广场(Piazza San Marco):这是威尼斯最著名的广场,被认为是世界上最美丽的广场之一。广场上有圣马可大教堂、圣马可钟楼和威尼斯宫等标志性建筑,周围有咖啡馆和精品店,吸引了无数游客。
4. 佛罗伦萨的皮提宫广场(Piazza della Signoria):这是佛罗伦萨的主要广场之一,以其雄伟的皮提宫和米开朗基罗的雕塑《大卫》而闻名。广场上还有许多其他雕塑和古老的建筑,是游客欣赏佛罗伦萨文艺复兴风格的理想场所。
5. 那不勒斯的斯帕卡尼亚大道(Via Toledo):这是那不勒斯最重要的购物街之一,以其许多商店、百货商店和咖啡馆而闻名。大道两侧有美丽的建筑和历史悠久的教堂,提供了一个热闹繁忙的购物和观光场所。
以上只是意大利一些著名风情街的例子,每个地方都有其独特的特点和吸引力。无论是历史建筑、时尚购物、文化景点还是美食体验,意大利的风情街都能给游客带来独特而难忘的体验。
7. 法国19世纪铜雕塑有什么相同点和变化?
【文藏来答】大家好,我是文藏的艺术小编Kiki~如果各位喜欢我的回答,就请给我一个赞或者是一个关注吧!
和绘画一样,雕塑是造型艺术最重要,也是最古老的技法和门类之一。雕塑的媒介也多种多样,比如木雕、石雕、泥塑、石膏、陶和铜等等。其中铜是被广泛运用的一种雕塑媒介,且在十九世纪,法国铜雕塑迎来了它的黄金发展阶段。但人类早期的青铜和今天我们讨论的在十九世纪用来铸造雕塑的“铜”从成份上已经相差很远。
古今青铜器成分变化究竟多大
我们今天把铜雕塑叫做Bronze, 早在公元前2500年左右的古希腊就已经有铜雕塑的出现,也是差不多同一时期,我国历史上也出现了用来作为礼器的青铜器皿。之所以被称为青铜,其实也是因为埋藏在地下的青铜器氧化后出现的青绿表面而得名。但人类早期的青铜和今天我们讨论的在十九世纪用来铸造雕塑的“铜”从成份上已经是相差很远,尽管二者都被统称为Bronze。其实Bronze的意思就是一种含有铜元素的合金,通常是和锡、铝、铅、等不同元素混合。
远古人类青铜器时代的铜大概是在600-800度之间冶炼制成,而19世纪的铜雕塑通常在1200-1400度之间冶炼铸造。但由于不同国家和地区的工匠有不同的配比方式,所以Bronze的成份和配方也是多种多样,再加上不同语言中对Bronze的叫法也都有不同,比如,在中文中,Bronze就被翻译成青铜,很容易让人与远古青铜器混淆。为了避免混淆,一些博物馆也在寻找新的名词区别这两种概念。有些国家和地区也对Bronze的配比也有规定,比如在法国,Bronze中,纯铜的比例不能低于80%。
从远古时代以来,人类一直在运用铜来铸造雕塑。铜雕塑真正的“黄金时代”出现在十九世纪的法国,不论从出品的数量,制作品质,还是艺术水准都达到了古典艺术的巅峰。 在十九世纪上半期,尤其是在第二帝国和第三共和国时期,在巴黎出现了一些铸造铜雕塑的铸造工坊,这些工坊开始出品精美的小型铜雕塑。从那时开始铜雕塑成为重要的收藏门类,直到今天,仍然在艺术市场上占据着重要地位。在铜雕塑市场的形成和发展中,铸造工坊扮演了很重要的角色。当时的铸造工坊,不仅仅只解决了生产环节,同时也被成为“出版商”,他们与艺术家签署“版权合同”,与艺术家合作“出版”铜雕塑,然后再进行市场化。也就是说,艺术家创作作品,而铸造工坊提供技术和资金来完成作品,当然,在工坊铸造的过程中,艺术家也要参与工匠们制作作品的过程,才能把控作品的品质。有了这种新型的模式,才能够逐渐满足新兴资产阶级的收藏和装饰需求。
另外一个重要因素是,在1836年,法国工程师Achille Collas发明了一种可以将雕塑按比例缩放的技术,这项技术几乎改变了整个铜雕塑的历史。这项技术让很多雕塑家的大型公共雕塑作品可以按比利缩小成为符合室内环境的收藏雕塑。 著名工坊Barbedienne在1839年与Achille Collas合作成立了公司,将这项技术不仅运用在当时的艺术家的作品的制作上,同时还将很多古代名作缩小成为室内收藏雕塑。一些十九世纪雕塑家的代表作,也会通过这项技术来制作成不同尺寸的版本。
尽管铜合金的配比在历史上一直进步,但是脱蜡铸造法在几千年来变化并不大。这是一种用蜡来填充内核和外模之间空隙的方法,再通过加热让蜡流出,这样就可以获得浇铸铜的空间。几乎每一件铜雕塑都是分段来铸造的,根据作品的造型来分解,比如,人物的头部、躯干、四肢都会被分解成局部铸造再链接到一起。所以对每一个部分铸造的精度的要求就很高。
风格和题材的变化
对收藏者来说,除了对作品制作工艺和存量的关注,对作品风格和题材的了解更加重要。
十九世纪可以说是古典艺术史最辉煌的时期之一,由于经济、哲学和社会意识形态的变化发展,这一时期出现了很多不同的艺术风格和流派,这种辉煌一直持续到二十世纪30年代。在此期间,新古典主义、浪漫主义、现实主义、折衷主义、自然主义、印象派、现代主义、新艺术风格以及装饰艺术风格相继出现,并涌现出大批优秀的艺术家和作品。他们都通过法国的“沙龙展”来展示自己的作品,并迅速的走向市场。这个舞台不仅只展示法国艺术家的作品,也吸引很多欧洲其他国家艺术家来到法国工作。沙龙展不仅是艺术收藏的市场,也是法国国家收藏的基础,今天在奥赛博物馆中的很多藏品,都来自那个年代的国家收藏。
其中题材也多种多样,神话题材和动物题材最为常见。 在临近二十世纪时,也出现了表现艺术家个人情感的象征和神秘题材。
在十九世纪初,拿破仑的第一帝国推崇新古典主义,这不仅仅与十八世纪中期对庞贝古城发掘有关,国家意识形态的推广也是重要的原因。拿破仑将自己塑造成古罗马时代的皇帝们形象,当时有大量国家定制的作品都是这样的风格,为了彰显国家政权的威严。帝国时期的国家定制基本是由学院派艺术家完成。同时,也有很多古希腊古罗马时期的正统的“古典”时期的雕塑被缩小制成铜雕塑,Barbedienne工坊就出品了很多这样的作品。
与此相对应的,出现了浪漫主义风格。Barye(巴利)是浪漫主义风格最重要的代表人物,被称为“雕塑界的德拉克罗瓦”,他擅长创作动物题材的作品,尤其是动物之间搏斗的场面,构图上打破了古典主义追求的平稳,让作品呈现“运动的状态”来表达情绪。
无产阶级革命思潮导致了巴黎公社的运动,在艺术上则呈现为现实主义。Dalou(达卢)是这一风格的主要代表,他创作了一系列劳动者的形象,其中《伟大的农民》成为经典。在巴黎的民族广场上有一件他创作的大型群组雕塑-《劳动者纪念碑》。
当然,在这样艺术形态与艺术风格相互冲突并交融的时代里,也有的艺术家摒弃这种差异,采用开放的思维来面对不同的艺术思潮,Carpeaux和Falguière就是这样的艺术家,是折衷主义的代表,他们的作品既有古典主义造型的严谨,也有浪漫主义的情绪和动感。巴黎歌剧院的外墙的装饰雕塑,就是Carpeaux的代表作,经典不朽。
在这一时期,还有一位独树一帜,不得不提到的大师就是罗丹,其深受米开朗基罗的影响。早期从现实主义开始,慢慢形成自己独特的风格,通过局部的夸张和变形来表达人物内心的情绪。受到现代主义思潮的影响,罗丹是古典雕塑向现代雕塑过渡的关键转变。
在20世纪来临的时候,一些艺术家开始大胆的尝试一种新的艺术思维,他们希望摆脱过去以单纯的模拟现实形象为目的的思维方式,而是完全创造出新的造型。很多新科技和材料的运用可以让艺术家的创作更加自由,还有另一个重要的原因-来自东方文化的影响。 我们称这种艺术风格为“新艺术风格”。
随着“一战”的到来,新艺术风格戛然而止。在战争结束后,全球经济进入一个高速发展的时期,随着飞机,汽车的广泛运用,人类对于速度有了新的认知。这种认知给了人类全新的视觉感受,随之而来也产生了新的艺术风格-装饰艺术风格(ART DECO)。
尽管铜雕塑从十九世纪以来一直是艺术收藏的重要门类,但这项收藏在中国目前还是非常小众的。这和我们的文化传统和生活习惯有一定的关系,随着居住空间的改变,国人也慢慢习惯于在室内空间摆放雕塑。
原文:法国十九世纪铜雕塑——吴昊
资源出处:《收藏投资导刊》2017年5月刊总156期
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